May 23
- Jun 26, 2026
Opening / May 22, 9 PM
Düsseldorf
scroll down for English text
/
Fracture
Marc Botschen
marcbotschen.com
/
Licht gleitet über die Oberfläche, bricht sich in matten Schleifspuren, bleibt in feinen Vertiefungen hängen. Je näher man herantritt, desto unruhiger wird das Material. Linien ziehen sich wie eingelassene Narben über das Metall, kleine Einschnitte verdichten sich zu Strukturen, die an organische Formen, Kartenfragmente oder Schrift erinnern. Manche Stellen wirken zart angelaufen, beinahe samtig, andere scharf und offen, als hätte sich etwas tief in die Oberfläche hineingefressen. Das Metall scheint seine eigene Bearbeitung nicht zu verbergen, sondern sie festzuhalten: jede Verfärbung, jede Verletzung, jede Spur des Ätzens bleibt sichtbar
eingeschrieben.
So nah betrachtet verlieren Arbeiten wie FRACTURE #3 (2026), SIEGEL (2026) oder EHEGATTE (2026) ihre Eindeutigkeit. Zeichen beginnen zu kippen, Ordnungen verlieren ihre Stabilität, Konturen werden zu Bewegungen im Material. Was einmal Datum oder Siegel war, erscheint nun als überlagerte Struktur aus Wiederholung und Auslassung. Die Oberfläche funktioniert dabei weniger als Bildträger im klassischen Sinn, sondern als ein Zeuge der Bearbeitung.
Die geätzten Aluminiumplatten basieren auf Fragmenten eines Ahnenpasses aus dem Familienarchiv des Künstlers MARC BOTSCHEN. Digitale Composite-Aufnahmen des Dokuments werden auf Aluminium übertragen und anschließend in Säurebäder gelegt. Die Säure greift das Material an, erzeugt dunkle Ablagerungen, matte Schlieren und offene Stellen. Im anschließenden Schleifen werden einzelne Bereiche geglättet, andere bleiben als irreversible Spuren bestehen. Das Dokument wird dabei nicht konserviert, sondern durch seine eigene Bearbeitung hindurch verändert. Bürokratische Strenge kippt in eine visuelle Logik aus Überlagerungen und strukturellen Resten.
Schrift wird zu Fläche, Nachweis zu Material, Identifikation zu Musterbildung. Herkunft, Familie und Zugehörigkeit erscheinen hier nicht mehr nur als identitätsstiftende Kategorien, sondern als Systeme, die sich tief in die Gesellschaft eingeschrieben haben. Der Ahnenpass zieht sich dabei wie ein stiller Unterstrom durch die Arbeiten, als etwas, das in gegenwärtigen Formen von Registrierung und Zuschreibung weiterwirkt aber vielleicht nur noch als fragmentierte, beschädigte Reflexion lesbar ist.
In der Malerei von Botschen entstehen Bilder, in denen Zeichen und Schriftfragmente auftauchen. Als Slogans oder Logos wirken sie kurzfristig lesbar, verlieren ihre Eindeutigkeit jedoch unmittelbar zwischen Farbflächen und Überlagerungen. Schrift erscheint hier nicht als Informationsträger, sondern als Formzustand zwischen Aussage und Auflösung. Einzelne Elemente werden akzentuiert, andere ausgelassen oder bewusst offengehalten; die Lücke wird zum zentralen Arbeitsprinzip. So entstehen Bildräume, in denen Figur, Zeichen und Grund ineinandergreifen, sich stabilisieren und zugleich wieder entziehen. Die Bildelemente wirken dabei nicht statisch aufeinander bezogen, sondern verschoben, als existierten sie in unterschiedlichen Geschwindigkeiten auf derselben Leinwand. Selbst dort, wo Motive an dokumentarische oder erinnernde Formen anknüpfen, bleibt ihre Lesbarkeit instabil.
Unsere Welt fußt auf Ordnungssystemen, ob sprachlich, visuell oder gesellschaftlich, in denen wir uns bewegen, ohne sie vollständig zu überblicken. Arbeiten wie ARMY (2026) oder I HATE MYSELF – I WANT TO DIE (LICENSE PLATE) (2026) legen offen, wie einfach sich Bedeutungen verschieben und Sichtbarkeit, Benennung und Einordnung ideologisch aufladen oder umdeuten lassen.
Zwischen Metall und Leinwand entsteht so kein Gegensatz, sondern eine Verschiebung desselben Prinzips. Während das Aluminium Spuren fixiert und speichert, hält die Malerei ihre Bewegung offen. Beide beschreiben keine getrennten Bildsprachen, sondern zwei Zustände eines fortgesetzten Umformungsprozesses, dessen Bruchlinien sich in der Ausstellung FRACTURE subtil bündeln und als durchgängige Figur von Instabilität und Veränderung lesbar werden.
Text: Leonie Rösler & Marlene Sichelschmidt
/
Light glides across the surface, refracts in matte grinding traces, catches in fine indentations. The closer you approach, the more restless the material becomes. Lines run across the metal like inlaid scars, small incisions densify into structures that evoke organic forms, map fragments, or script. Some areas appear delicately tarnished, almost velvety; others sharp and open, as though something has eaten deep into the surface. The metal seems not to conceal its own processing, but to hold it fast: every discoloration, every wound, every trace of etching remains visibly inscribed.
Viewed this closely, works such as FRACTURE #3 (2026), SIEGEL (2026), or EHEGATTE (2026) lose their unambiguity. Signs begin to tip, orders lose their stability, contours become movements within the material. What was once a date or a seal now appears as an overlapping structure of repetition and omission. The surface functions less as a picture carrier in the classical sense than as a witness to its own processing.
The etched aluminium panels are based on fragments of an ancestry pass from the family archive of artist MARC BOTSCHEN. Digital composite photographs of the document are transferred onto aluminium and then submerged in acid baths. The acid attacks the material, producing dark deposits, matte streaks, and open cavities. In the subsequent grinding, certain areas are smoothed while others remain as irreversible traces. The document is not preserved in this process but transformed through its own treatment. Bureaucratic rigidity tips into a visual logic of overlays and structural residues. Script becomes surface, evidence becomes material, identification becomes pattern formation. Origin, family, and belonging no longer appear merely as identity-forming categories but as systems that have inscribed themselves deeply into society. The ancestry pass runs through the works like a quiet undercurrent — as something that continues to operate within contemporary forms of registration and attribution, yet may only remain legible as a fragmented, damaged reflection.
In Botschen’s painting, images emerge in which signs and script fragments appear. As slogans or logos they seem momentarily legible, yet immediately lose their unambiguity between color fields and overlays. Script here is not a carrier of information but a formal state between statement and dissolution. Individual elements are accentuated, others omitted or deliberately left open; the gap becomes the central working principle. This gives rise to pictorial spaces in which figure, sign, and ground interlock, stabilize, and simultaneously withdraw. The pictorial elements do not relate to one another in a static way but appear displaced, as though they exist at different speeds on the same canvas. Even where motifs connect to documentary or memorial forms, their legibility remains unstable.
Our world rests on systems of order — whether linguistic, visual, or social — within which we move without fully being able to survey them. Works such as ARMY (2026) or I HATE MYSELF – I WANT TO DIE (LICENSE PLATE) (2026) lay bare how easily meanings shift, and how visibility, naming, and classification can be ideologically charged or reinterpreted.
Between metal and canvas, no opposition emerges — only a displacement of the same principle. While the aluminium fixes and stores traces, painting holds its movement open. Neither describes a separate pictorial language; rather, both represent two states of a continuing process of transformation, whose fault lines converge subtly in the exhibition FRACTURE and become legible as a sustained figure of instability and change.
Text: Leonie Rösler & Marlene Sichelschmidt
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- Jun 26, 2026
Opening / May 22, 9 PM
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Fracture
Marc Botschen
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Licht gleitet über die Oberfläche, bricht sich in matten Schleifspuren, bleibt in feinen Vertiefungen hängen. Je näher man herantritt, desto unruhiger wird das Material. Linien ziehen sich wie eingelassene Narben über das Metall, kleine Einschnitte verdichten sich zu Strukturen, die an organische Formen, Kartenfragmente oder Schrift erinnern. Manche Stellen wirken zart angelaufen, beinahe samtig, andere scharf und offen, als hätte sich etwas tief in die Oberfläche hineingefressen. Das Metall scheint seine eigene Bearbeitung nicht zu verbergen, sondern sie festzuhalten: jede Verfärbung, jede Verletzung, jede Spur des Ätzens bleibt sichtbar
eingeschrieben.
So nah betrachtet verlieren Arbeiten wie FRACTURE #3 (2026), SIEGEL (2026) oder EHEGATTE (2026) ihre Eindeutigkeit. Zeichen beginnen zu kippen, Ordnungen verlieren ihre Stabilität, Konturen werden zu Bewegungen im Material. Was einmal Datum oder Siegel war, erscheint nun als überlagerte Struktur aus Wiederholung und Auslassung. Die Oberfläche funktioniert dabei weniger als Bildträger im klassischen Sinn, sondern als ein Zeuge der Bearbeitung.
Die geätzten Aluminiumplatten basieren auf Fragmenten eines Ahnenpasses aus dem Familienarchiv des Künstlers MARC BOTSCHEN. Digitale Composite-Aufnahmen des Dokuments werden auf Aluminium übertragen und anschließend in Säurebäder gelegt. Die Säure greift das Material an, erzeugt dunkle Ablagerungen, matte Schlieren und offene Stellen. Im anschließenden Schleifen werden einzelne Bereiche geglättet, andere bleiben als irreversible Spuren bestehen. Das Dokument wird dabei nicht konserviert, sondern durch seine eigene Bearbeitung hindurch verändert. Bürokratische Strenge kippt in eine visuelle Logik aus Überlagerungen und strukturellen Resten.
Schrift wird zu Fläche, Nachweis zu Material, Identifikation zu Musterbildung. Herkunft, Familie und Zugehörigkeit erscheinen hier nicht mehr nur als identitätsstiftende Kategorien, sondern als Systeme, die sich tief in die Gesellschaft eingeschrieben haben. Der Ahnenpass zieht sich dabei wie ein stiller Unterstrom durch die Arbeiten, als etwas, das in gegenwärtigen Formen von Registrierung und Zuschreibung weiterwirkt aber vielleicht nur noch als fragmentierte, beschädigte Reflexion lesbar ist.
In der Malerei von Botschen entstehen Bilder, in denen Zeichen und Schriftfragmente auftauchen. Als Slogans oder Logos wirken sie kurzfristig lesbar, verlieren ihre Eindeutigkeit jedoch unmittelbar zwischen Farbflächen und Überlagerungen. Schrift erscheint hier nicht als Informationsträger, sondern als Formzustand zwischen Aussage und Auflösung. Einzelne Elemente werden akzentuiert, andere ausgelassen oder bewusst offengehalten; die Lücke wird zum zentralen Arbeitsprinzip. So entstehen Bildräume, in denen Figur, Zeichen und Grund ineinandergreifen, sich stabilisieren und zugleich wieder entziehen. Die Bildelemente wirken dabei nicht statisch aufeinander bezogen, sondern verschoben, als existierten sie in unterschiedlichen Geschwindigkeiten auf derselben Leinwand. Selbst dort, wo Motive an dokumentarische oder erinnernde Formen anknüpfen, bleibt ihre Lesbarkeit instabil.
Unsere Welt fußt auf Ordnungssystemen, ob sprachlich, visuell oder gesellschaftlich, in denen wir uns bewegen, ohne sie vollständig zu überblicken. Arbeiten wie ARMY (2026) oder I HATE MYSELF – I WANT TO DIE (LICENSE PLATE) (2026) legen offen, wie einfach sich Bedeutungen verschieben und Sichtbarkeit, Benennung und Einordnung ideologisch aufladen oder umdeuten lassen.
Zwischen Metall und Leinwand entsteht so kein Gegensatz, sondern eine Verschiebung desselben Prinzips. Während das Aluminium Spuren fixiert und speichert, hält die Malerei ihre Bewegung offen. Beide beschreiben keine getrennten Bildsprachen, sondern zwei Zustände eines fortgesetzten Umformungsprozesses, dessen Bruchlinien sich in der Ausstellung FRACTURE subtil bündeln und als durchgängige Figur von Instabilität und Veränderung lesbar werden.
Text: Leonie Rösler & Marlene Sichelschmidt
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Light glides across the surface, refracts in matte grinding traces, catches in fine indentations. The closer you approach, the more restless the material becomes. Lines run across the metal like inlaid scars, small incisions densify into structures that evoke organic forms, map fragments, or script. Some areas appear delicately tarnished, almost velvety; others sharp and open, as though something has eaten deep into the surface. The metal seems not to conceal its own processing, but to hold it fast: every discoloration, every wound, every trace of etching remains visibly inscribed.
Viewed this closely, works such as FRACTURE #3 (2026), SIEGEL (2026), or EHEGATTE (2026) lose their unambiguity. Signs begin to tip, orders lose their stability, contours become movements within the material. What was once a date or a seal now appears as an overlapping structure of repetition and omission. The surface functions less as a picture carrier in the classical sense than as a witness to its own processing.
The etched aluminium panels are based on fragments of an ancestry pass from the family archive of artist MARC BOTSCHEN. Digital composite photographs of the document are transferred onto aluminium and then submerged in acid baths. The acid attacks the material, producing dark deposits, matte streaks, and open cavities. In the subsequent grinding, certain areas are smoothed while others remain as irreversible traces. The document is not preserved in this process but transformed through its own treatment. Bureaucratic rigidity tips into a visual logic of overlays and structural residues. Script becomes surface, evidence becomes material, identification becomes pattern formation. Origin, family, and belonging no longer appear merely as identity-forming categories but as systems that have inscribed themselves deeply into society. The ancestry pass runs through the works like a quiet undercurrent — as something that continues to operate within contemporary forms of registration and attribution, yet may only remain legible as a fragmented, damaged reflection.
In Botschen’s painting, images emerge in which signs and script fragments appear. As slogans or logos they seem momentarily legible, yet immediately lose their unambiguity between color fields and overlays. Script here is not a carrier of information but a formal state between statement and dissolution. Individual elements are accentuated, others omitted or deliberately left open; the gap becomes the central working principle. This gives rise to pictorial spaces in which figure, sign, and ground interlock, stabilize, and simultaneously withdraw. The pictorial elements do not relate to one another in a static way but appear displaced, as though they exist at different speeds on the same canvas. Even where motifs connect to documentary or memorial forms, their legibility remains unstable.
Our world rests on systems of order — whether linguistic, visual, or social — within which we move without fully being able to survey them. Works such as ARMY (2026) or I HATE MYSELF – I WANT TO DIE (LICENSE PLATE) (2026) lay bare how easily meanings shift, and how visibility, naming, and classification can be ideologically charged or reinterpreted.
Between metal and canvas, no opposition emerges — only a displacement of the same principle. While the aluminium fixes and stores traces, painting holds its movement open. Neither describes a separate pictorial language; rather, both represent two states of a continuing process of transformation, whose fault lines converge subtly in the exhibition FRACTURE and become legible as a sustained figure of instability and change.
Text: Leonie Rösler & Marlene Sichelschmidt
May 23
- Jun 26, 2026
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Licht gleitet über die Oberfläche, bricht sich in matten Schleifspuren, bleibt in feinen Vertiefungen hängen. Je näher man herantritt, desto unruhiger wird das Material. Linien ziehen sich wie eingelassene Narben über das Metall, kleine Einschnitte verdichten sich zu Strukturen, die an organische Formen, Kartenfragmente oder Schrift erinnern. Manche Stellen wirken zart angelaufen, beinahe samtig, andere scharf und offen, als hätte sich etwas tief in die Oberfläche hineingefressen. Das Metall scheint seine eigene Bearbeitung nicht zu verbergen, sondern sie festzuhalten: jede Verfärbung, jede Verletzung, jede Spur des Ätzens bleibt sichtbar
eingeschrieben.
So nah betrachtet verlieren Arbeiten wie FRACTURE #3 (2026), SIEGEL (2026) oder EHEGATTE (2026) ihre Eindeutigkeit. Zeichen beginnen zu kippen, Ordnungen verlieren ihre Stabilität, Konturen werden zu Bewegungen im Material. Was einmal Datum oder Siegel war, erscheint nun als überlagerte Struktur aus Wiederholung und Auslassung. Die Oberfläche funktioniert dabei weniger als Bildträger im klassischen Sinn, sondern als ein Zeuge der Bearbeitung.
Die geätzten Aluminiumplatten basieren auf Fragmenten eines Ahnenpasses aus dem Familienarchiv des Künstlers MARC BOTSCHEN. Digitale Composite-Aufnahmen des Dokuments werden auf Aluminium übertragen und anschließend in Säurebäder gelegt. Die Säure greift das Material an, erzeugt dunkle Ablagerungen, matte Schlieren und offene Stellen. Im anschließenden Schleifen werden einzelne Bereiche geglättet, andere bleiben als irreversible Spuren bestehen. Das Dokument wird dabei nicht konserviert, sondern durch seine eigene Bearbeitung hindurch verändert. Bürokratische Strenge kippt in eine visuelle Logik aus Überlagerungen und strukturellen Resten.
Schrift wird zu Fläche, Nachweis zu Material, Identifikation zu Musterbildung. Herkunft, Familie und Zugehörigkeit erscheinen hier nicht mehr nur als identitätsstiftende Kategorien, sondern als Systeme, die sich tief in die Gesellschaft eingeschrieben haben. Der Ahnenpass zieht sich dabei wie ein stiller Unterstrom durch die Arbeiten, als etwas, das in gegenwärtigen Formen von Registrierung und Zuschreibung weiterwirkt aber vielleicht nur noch als fragmentierte, beschädigte Reflexion lesbar ist.
In der Malerei von Botschen entstehen Bilder, in denen Zeichen und Schriftfragmente auftauchen. Als Slogans oder Logos wirken sie kurzfristig lesbar, verlieren ihre Eindeutigkeit jedoch unmittelbar zwischen Farbflächen und Überlagerungen. Schrift erscheint hier nicht als Informationsträger, sondern als Formzustand zwischen Aussage und Auflösung. Einzelne Elemente werden akzentuiert, andere ausgelassen oder bewusst offengehalten; die Lücke wird zum zentralen Arbeitsprinzip. So entstehen Bildräume, in denen Figur, Zeichen und Grund ineinandergreifen, sich stabilisieren und zugleich wieder entziehen. Die Bildelemente wirken dabei nicht statisch aufeinander bezogen, sondern verschoben, als existierten sie in unterschiedlichen Geschwindigkeiten auf derselben Leinwand. Selbst dort, wo Motive an dokumentarische oder erinnernde Formen anknüpfen, bleibt ihre Lesbarkeit instabil.
Unsere Welt fußt auf Ordnungssystemen, ob sprachlich, visuell oder gesellschaftlich, in denen wir uns bewegen, ohne sie vollständig zu überblicken. Arbeiten wie ARMY (2026) oder I HATE MYSELF – I WANT TO DIE (LICENSE PLATE) (2026) legen offen, wie einfach sich Bedeutungen verschieben und Sichtbarkeit, Benennung und Einordnung ideologisch aufladen oder umdeuten lassen.
Zwischen Metall und Leinwand entsteht so kein Gegensatz, sondern eine Verschiebung desselben Prinzips. Während das Aluminium Spuren fixiert und speichert, hält die Malerei ihre Bewegung offen. Beide beschreiben keine getrennten Bildsprachen, sondern zwei Zustände eines fortgesetzten Umformungsprozesses, dessen Bruchlinien sich in der Ausstellung FRACTURE subtil bündeln und als durchgängige Figur von Instabilität und Veränderung lesbar werden.
Text: Leonie Rösler & Marlene Sichelschmidt
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Light glides across the surface, refracts in matte grinding traces, catches in fine indentations. The closer you approach, the more restless the material becomes. Lines run across the metal like inlaid scars, small incisions densify into structures that evoke organic forms, map fragments, or script. Some areas appear delicately tarnished, almost velvety; others sharp and open, as though something has eaten deep into the surface. The metal seems not to conceal its own processing, but to hold it fast: every discoloration, every wound, every trace of etching remains visibly inscribed.
Viewed this closely, works such as FRACTURE #3 (2026), SIEGEL (2026), or EHEGATTE (2026) lose their unambiguity. Signs begin to tip, orders lose their stability, contours become movements within the material. What was once a date or a seal now appears as an overlapping structure of repetition and omission. The surface functions less as a picture carrier in the classical sense than as a witness to its own processing.
The etched aluminium panels are based on fragments of an ancestry pass from the family archive of artist MARC BOTSCHEN. Digital composite photographs of the document are transferred onto aluminium and then submerged in acid baths. The acid attacks the material, producing dark deposits, matte streaks, and open cavities. In the subsequent grinding, certain areas are smoothed while others remain as irreversible traces. The document is not preserved in this process but transformed through its own treatment. Bureaucratic rigidity tips into a visual logic of overlays and structural residues. Script becomes surface, evidence becomes material, identification becomes pattern formation. Origin, family, and belonging no longer appear merely as identity-forming categories but as systems that have inscribed themselves deeply into society. The ancestry pass runs through the works like a quiet undercurrent — as something that continues to operate within contemporary forms of registration and attribution, yet may only remain legible as a fragmented, damaged reflection.
In Botschen’s painting, images emerge in which signs and script fragments appear. As slogans or logos they seem momentarily legible, yet immediately lose their unambiguity between color fields and overlays. Script here is not a carrier of information but a formal state between statement and dissolution. Individual elements are accentuated, others omitted or deliberately left open; the gap becomes the central working principle. This gives rise to pictorial spaces in which figure, sign, and ground interlock, stabilize, and simultaneously withdraw. The pictorial elements do not relate to one another in a static way but appear displaced, as though they exist at different speeds on the same canvas. Even where motifs connect to documentary or memorial forms, their legibility remains unstable.
Our world rests on systems of order — whether linguistic, visual, or social — within which we move without fully being able to survey them. Works such as ARMY (2026) or I HATE MYSELF – I WANT TO DIE (LICENSE PLATE) (2026) lay bare how easily meanings shift, and how visibility, naming, and classification can be ideologically charged or reinterpreted.
Between metal and canvas, no opposition emerges — only a displacement of the same principle. While the aluminium fixes and stores traces, painting holds its movement open. Neither describes a separate pictorial language; rather, both represent two states of a continuing process of transformation, whose fault lines converge subtly in the exhibition FRACTURE and become legible as a sustained figure of instability and change.
Text: Leonie Rösler & Marlene Sichelschmidt
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Licht gleitet über die Oberfläche, bricht sich in matten Schleifspuren, bleibt in feinen Vertiefungen hängen. Je näher man herantritt, desto unruhiger wird das Material. Linien ziehen sich wie eingelassene Narben über das Metall, kleine Einschnitte verdichten sich zu Strukturen, die an organische Formen, Kartenfragmente oder Schrift erinnern. Manche Stellen wirken zart angelaufen, beinahe samtig, andere scharf und offen, als hätte sich etwas tief in die Oberfläche hineingefressen. Das Metall scheint seine eigene Bearbeitung nicht zu verbergen, sondern sie festzuhalten: jede Verfärbung, jede Verletzung, jede Spur des Ätzens bleibt sichtbar
eingeschrieben.
So nah betrachtet verlieren Arbeiten wie FRACTURE #3 (2026), SIEGEL (2026) oder EHEGATTE (2026) ihre Eindeutigkeit. Zeichen beginnen zu kippen, Ordnungen verlieren ihre Stabilität, Konturen werden zu Bewegungen im Material. Was einmal Datum oder Siegel war, erscheint nun als überlagerte Struktur aus Wiederholung und Auslassung. Die Oberfläche funktioniert dabei weniger als Bildträger im klassischen Sinn, sondern als ein Zeuge der Bearbeitung.
Die geätzten Aluminiumplatten basieren auf Fragmenten eines Ahnenpasses aus dem Familienarchiv des Künstlers MARC BOTSCHEN. Digitale Composite-Aufnahmen des Dokuments werden auf Aluminium übertragen und anschließend in Säurebäder gelegt. Die Säure greift das Material an, erzeugt dunkle Ablagerungen, matte Schlieren und offene Stellen. Im anschließenden Schleifen werden einzelne Bereiche geglättet, andere bleiben als irreversible Spuren bestehen. Das Dokument wird dabei nicht konserviert, sondern durch seine eigene Bearbeitung hindurch verändert. Bürokratische Strenge kippt in eine visuelle Logik aus Überlagerungen und strukturellen Resten.
Schrift wird zu Fläche, Nachweis zu Material, Identifikation zu Musterbildung. Herkunft, Familie und Zugehörigkeit erscheinen hier nicht mehr nur als identitätsstiftende Kategorien, sondern als Systeme, die sich tief in die Gesellschaft eingeschrieben haben. Der Ahnenpass zieht sich dabei wie ein stiller Unterstrom durch die Arbeiten, als etwas, das in gegenwärtigen Formen von Registrierung und Zuschreibung weiterwirkt aber vielleicht nur noch als fragmentierte, beschädigte Reflexion lesbar ist.
In der Malerei von Botschen entstehen Bilder, in denen Zeichen und Schriftfragmente auftauchen. Als Slogans oder Logos wirken sie kurzfristig lesbar, verlieren ihre Eindeutigkeit jedoch unmittelbar zwischen Farbflächen und Überlagerungen. Schrift erscheint hier nicht als Informationsträger, sondern als Formzustand zwischen Aussage und Auflösung. Einzelne Elemente werden akzentuiert, andere ausgelassen oder bewusst offengehalten; die Lücke wird zum zentralen Arbeitsprinzip. So entstehen Bildräume, in denen Figur, Zeichen und Grund ineinandergreifen, sich stabilisieren und zugleich wieder entziehen. Die Bildelemente wirken dabei nicht statisch aufeinander bezogen, sondern verschoben, als existierten sie in unterschiedlichen Geschwindigkeiten auf derselben Leinwand. Selbst dort, wo Motive an dokumentarische oder erinnernde Formen anknüpfen, bleibt ihre Lesbarkeit instabil.
Unsere Welt fußt auf Ordnungssystemen, ob sprachlich, visuell oder gesellschaftlich, in denen wir uns bewegen, ohne sie vollständig zu überblicken. Arbeiten wie ARMY (2026) oder I HATE MYSELF – I WANT TO DIE (LICENSE PLATE) (2026) legen offen, wie einfach sich Bedeutungen verschieben und Sichtbarkeit, Benennung und Einordnung ideologisch aufladen oder umdeuten lassen.
Zwischen Metall und Leinwand entsteht so kein Gegensatz, sondern eine Verschiebung desselben Prinzips. Während das Aluminium Spuren fixiert und speichert, hält die Malerei ihre Bewegung offen. Beide beschreiben keine getrennten Bildsprachen, sondern zwei Zustände eines fortgesetzten Umformungsprozesses, dessen Bruchlinien sich in der Ausstellung FRACTURE subtil bündeln und als durchgängige Figur von Instabilität und Veränderung lesbar werden.
Text: Leonie Rösler & Marlene Sichelschmidt
/
Light glides across the surface, refracts in matte grinding traces, catches in fine indentations. The closer you approach, the more restless the material becomes. Lines run across the metal like inlaid scars, small incisions densify into structures that evoke organic forms, map fragments, or script. Some areas appear delicately tarnished, almost velvety; others sharp and open, as though something has eaten deep into the surface. The metal seems not to conceal its own processing, but to hold it fast: every discoloration, every wound, every trace of etching remains visibly inscribed.
Viewed this closely, works such as FRACTURE #3 (2026), SIEGEL (2026), or EHEGATTE (2026) lose their unambiguity. Signs begin to tip, orders lose their stability, contours become movements within the material. What was once a date or a seal now appears as an overlapping structure of repetition and omission. The surface functions less as a picture carrier in the classical sense than as a witness to its own processing.
The etched aluminium panels are based on fragments of an ancestry pass from the family archive of artist MARC BOTSCHEN. Digital composite photographs of the document are transferred onto aluminium and then submerged in acid baths. The acid attacks the material, producing dark deposits, matte streaks, and open cavities. In the subsequent grinding, certain areas are smoothed while others remain as irreversible traces. The document is not preserved in this process but transformed through its own treatment. Bureaucratic rigidity tips into a visual logic of overlays and structural residues. Script becomes surface, evidence becomes material, identification becomes pattern formation. Origin, family, and belonging no longer appear merely as identity-forming categories but as systems that have inscribed themselves deeply into society. The ancestry pass runs through the works like a quiet undercurrent — as something that continues to operate within contemporary forms of registration and attribution, yet may only remain legible as a fragmented, damaged reflection.
In Botschen’s painting, images emerge in which signs and script fragments appear. As slogans or logos they seem momentarily legible, yet immediately lose their unambiguity between color fields and overlays. Script here is not a carrier of information but a formal state between statement and dissolution. Individual elements are accentuated, others omitted or deliberately left open; the gap becomes the central working principle. This gives rise to pictorial spaces in which figure, sign, and ground interlock, stabilize, and simultaneously withdraw. The pictorial elements do not relate to one another in a static way but appear displaced, as though they exist at different speeds on the same canvas. Even where motifs connect to documentary or memorial forms, their legibility remains unstable.
Our world rests on systems of order — whether linguistic, visual, or social — within which we move without fully being able to survey them. Works such as ARMY (2026) or I HATE MYSELF – I WANT TO DIE (LICENSE PLATE) (2026) lay bare how easily meanings shift, and how visibility, naming, and classification can be ideologically charged or reinterpreted.
Between metal and canvas, no opposition emerges — only a displacement of the same principle. While the aluminium fixes and stores traces, painting holds its movement open. Neither describes a separate pictorial language; rather, both represent two states of a continuing process of transformation, whose fault lines converge subtly in the exhibition FRACTURE and become legible as a sustained figure of instability and change.
Text: Leonie Rösler & Marlene Sichelschmidt